去年12月下旬，艺天维文化空间《天上的日子》诗画展开幕后，我心怀忐忑与不确定，首先找老搭档马滨商量2016年春天做一个国画展的可能。12月21日，我以手机短信的形式分别给满江红、戴杰、赵芳、何阿平、桂镜子五位画家发了约稿信，并邀请大家当天晚上八点到摩玛大厦的工作室来坐坐。我想与画家们沟通说明，把他们专业的作品做到写字楼空间，做成一个艺术推广的实验性展览，以提倡让展览变得日常化，引导民众确立看展览只是日常行为的观念。同时告诉大家，观展也可以变成一种生活方式，组成人生的美好部分。
针对这个展览的定位与想法，我希望得到画家的支持，听听他们的意见或建议。还有邀请谁做学术梳理等问题，看他们有没有什么特殊要求。结果几位画家说，按我自己的想法做就好，他们不干涉。最后，展览时间商定在初春，请大家按照40cm×60cm的尺寸创作，最好是5～6幅新近作品，以往展览过的作品就不在约稿范畴。
这个展览，依然沿着我文图呈现的策展方向，请韩旭为大家一幅画配一首诗，尽可能突出国画艺术中诗书画印的传统文化元素。至于展览标题“云南青年国画家40×60展”出现的量化尺寸，是想加强时代认可的时尚感，赋予展览的个性化记忆。其次，请各位画家一人写一篇2000字以内的文字，谈自己的创作观点，告诉观者：自己在画什么？为什么这么画？其目的是与观者形成多层面交流。
2016年1月20日交画稿，看了五位画家各自创造的系列作品，读了他们不同的文稿，感触颇多，还有些小激动。我迅速做完装裱，扫描了图片发给陇艺梅，还有远在北京的杨添，很快得到了他们的认同，答应为展览写稿。我如此大跨度选择展览主创人员，是希望有不同修养和成长背景的人，能够从不同角度说相同的作品，让受众听到不同的声音。让我意外的是策划之一侯云峰院长，他的文字论述居然是从艺术生态的视角来看这个展览，使我产生要在原来的策展基础上，多花点力气把这个展览做成艺术推广范本的想法。
春节收假后，我专程去找策划王永刚主编、王宁编辑商量范本式推广的想法，告诉他们本次展览的作品虽然不能完全代表画家的创作面貌，但也是他们创作实力水平的展现。且五位画家都是云南国画专业内的中坚力量，创作面貌各具艺术特色，都已经趋于成熟阶段，是潜力发展类型的代表画家。以他们和他们的作品作为云南国画推广普及案例，既可以引起书画爱好者的特别关注，又可以引导民众自己做选择看展览，而不再是被动接受看展，以增强民众的看展意识，有利于加速提高大众审美素质。
感谢两位策划的认同与支持，让展览在《影响力》杂志第三期艺苑栏目以13个版面的规模推出，同时也得到云南日报文化艺术版块的大力支持，使本次主创人员的学术观点、赏析文字、艺术推广导向，在展览同期得以整体呈现，最终使展览推广的范本成形。这个过程告诉我们：一个展览作品的形成，是通过一个一个的日常工作完成的。而在逐渐完成工作的日常中，结果会随着预想不到的变化而产生变化……
艺术家就更是如此啦，他们今天的成就是一个个日常的积累，是青春和生命过往的铺成。而他们的创作也是一点一点地形成，一段一段地变化……
满江红，在五位画家里，我最不熟悉，认识最晚的也是他。倒是他的画让我过目不忘。还有他与郭怡孮的师承关系，更加深了我对他的关注。满江红的胡杨林组画可以说是我最喜欢的，画面中北方的辽阔，空旷透亮的寂静诗意，如同挂在胡杨枯枝上的希望，映入人的眼睛。热带雨林系列，走出前人的密满，贴上自己俏丽秀雅的符号。此次参展的作品竹露清响系列，格调高古，是满江红小写意创作实力的又一次展现。其画面语言在是与不是的意味中迷糊了为画配诗的韩旭，写了六首芦苇荡，待交稿来空间看到展墙上的画，自己笑了：我现在就改，改回竹子。
我说：不改也没关系，物象错了，诗意在就好。
戴杰是画家群里的真帅哥，他和他笔下那些风情万种的少数民族盛装女子，牵动着我们云南人对这块土地共同的记忆。聚在一起说展览那天，才知道他是通海人，冲着这份乡情，收文字稿时我在电话里问他：你的文章要是有不合适的内容可以调整吗？他非常爽快地说：徐姐，要是内容与展览有不合适的地方，你直接处理就是了。戴杰传达给我的率性，还有他干净的文字，一如他人的形象。展览作品“秋声系列”写意人物，他把六幅作品放置在一个共同的环境里创作，赋予画面中的乡村少数民族女子以本真的情态，向观者叙述了她们拥有的日常。相比广袤天地，她们很渺小，却隽永存在。我想，所谓“画小气大”就应该是这样吧，同是审美情趣之所在。
参展画家中赵芳是唯一的女子，她与我是有故事的。很久以前，玉溪市有个叫高地公园的地方（现在的聂耳公园），其实是几家文体单位的大院子。文联在里边，赵芳家也在里边。我是文联的小姑娘，赵芳是院子里的中学生，我们一天要见好几次面。她那时很少说话，见了大人眼睛是往别处看的，只给人留下胸前不长不短两条晃动的光滑辫子，还有每天中午提着多层饭盒到食堂打饭的模样。
再见赵芳，她已是师院的老师，笑微微对人的样子真漂亮！“女大十八变”这句话，我第一次用就是形容赵芳。之后看她的画，做她的展览，了解她越多越觉得才是开始。這次的参展作品煤油灯系列，让我看到她在凡尘中给自己内心选择的宁静。
我问赵芳：为什么一边是《火烈鸟》的恣意绽放，一边要这么安然若素地涂抹？
她说：徐姐，我觉得交叉创作可以调节自己的状态。用您写作做个比喻吧，如果说《火烈鸟》是小说式的高度集中宣泄，那画煤油灯能让我像写散文或随笔一样回到轻松自如。
我说：你的构图为什么要画那些竖的线？如果没有，不是更纯粹安静吗？
她说：我想要那些竖立的线来装饰年代感，增加画面的古典气息。
这样的赵芳如画，画如她的人生，文思古意悄然鲜活地流动在她的生命里。
师从张志平先生的何阿平，是遵循老师临摹—写生—创作训导，一点一点画出来的。很欣赏他来交画时的平实和坦荡：我是只有勤学苦练的份儿，坚持了十几年，作品密满的样貌还在王晋元先生的语境中，着色承接了些云南重彩的东西，幸运的是我逐步找到了自己的面貌，不过，才是开始。阿平没有回避借鉴，告诉我这次参展的小尺幅作品，也是根据写生观察，对大自然进行记录的创作。其中，“朝露”“正午”“春辉”“夏羽”，凡有时段和节令的画幅变化，都是通过常年带学生去采风写生中找到的自然规律，从规律变化中获得创作灵感。他画得让人感觉有点“笨”，但把物像视角处理在是与非之间的感觉很好，富有云南土地味道的色彩也很洋气，还有画面的挺拔和坚实，都表现出阿平不容忽视的创作实力，让人更加期待他往后的创作延伸。阿平在文章里表达的创作观点很明确：让作品保持古雅的墨韵色章，突出当代云南重彩元素，厚重明亮地呈现地域特点，追求创作无局限是他的目标。
最初了解桂镜子，是前几年的事，听说他的画卖得很好，特意找到卖他画的画廊去看，那些着色纯正、造型准确的花鸟作品固定了我的记忆。真正熟悉镜子是2015年秋天书画院采风同行的八天，回到昆明，偶然在他办公室看到正在画的册页本，画幅不大，题材是没骨竹子，让我心动。邀请他参加展览才知道，没骨是他开始了大半年的创作计划——回到宋元。已经画了二十多幅，计划画三年，在恰当的时间做个人画展。参展的六幅作品很现成，随手组合就交来了。从作品中可以看到，镜子“回到宋元”的创作研究初见成效。画面构图是他的强项，纯墨色的鸟儿形态自然祥瑞，桃花柳絮中“枯枝”的笔墨意气呈现清晰。镜子画进去了，我们期待他再画出来，画出宋元的高古，创作出宋画的深远意境，再把意境中称之为人文气息的大象丰富到他往后的创作中。
以年龄大小为序，我们逐一了解了一遍参展画家。他们和他们的艺术，是组成这个展览的主体。但一次成功的艺术展览，是由策划定位、策展人观点、学术梳理、展览统筹实施、艺术推广等构成的。而本次展览凸显了在日常推进中逐渐完善，最终完成展览策划，形成完整的展览作品，也从另一侧面佐证了艺术与日常的本质关系。
当然，也意在力求把传统与时尚的策展表达，个性化与形式美的呈现相结合，同时能让观者看到云南中国画发展中不同时期的痕迹，如王晋元的热带雨林“大密满”气象，云南重彩的创作元素，观者不难从作品中发现既地域又无界的审美格调与追求。如果说前人的日常堆积出他们的艺术成就，那么今天的云南青年艺术家无论教学、写生、画画、参加展览，同是用一个个日在常积累他们往后的成绩。而展览，是促进艺术成为日常不可或缺的主要构成部分，其空明之境必定会将凡俗的日常照亮，让日常生活因艺术之美而值得、而尊贵；让艺术也因其所构筑的诗性日常而获得亲和力。
作为策展人，我想做的也正是在把艺术带入日常，还生活以空明诗性的同时，为艺术找到永居人世的途径。因此有了这个展览，有了这个展览的整体创意与呈现方式，展览执行的整个过程注重了细节的穿插，空间格局的利用，学术梳理的专业性，媒体推广的结构，画册印制的编排，包括对8开画册240mm×360mm的選择，也是为了呼应展览作品40cm×60cm的尺寸。我将在这个策展的新起点跟进工作，不断总结完善，一步一个脚印持续我的展览人生。用艺术的日常与空明之境照亮我投身展览事业的普在与拥有。
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