绘画创作的韵律性探索_文艺生活·中旬刊_杂文_网络文摘

李朋帮

　　（北京102200）

　　绘画与音乐这两种艺术形式在表现方面是相通的，无论是音乐中的旋律，还是绘画中的线条、色彩甚至是主题以及组合而成的表现力，都存在着一股能够震慑灵魂的力量。一副触动人心的画作与一段美妙的乐符，同样可以产生精神上的共鸣，中外绘画史中也多有类似的探索。

一、传统审美中的“音乐感”及其表现

中国传统的音乐美学，一直以来都是儒、道两种思维的相互交融。孔子认为音乐不仅具有形式美感，老庄则更为崇尚自然，反对儒家所提倡的秩序感。与此同时也认为音乐来自于自然，主张天人合一。

　　对于韵律的重视，体现在文人画的创作者的。传为顾闳中所做的《韩熙载夜宴图》，本身表现音乐场面十分成功的作品。全图以表现韩熙载的夜宴情形为主题，神态之中略带深沉，一个士大夫跃然纸上，人物形象鲜活。很多画家不仅熟知音律，还将绘画与音乐结合起来，把自己对于音乐的欣赏与情感抒发融入到自己的绘画活动中去。韵律性在画作中有所对照的第一个体现，首先想到的是线条。线是绘画作品中的第一形式语言，也是人物塑造的依托之所在。无论是创作者本人绘画中的韵律，还是观者在笔墨欣赏中体验到的画面元素的节奏互动，都如同音乐带给我们的感受一样，因此我们将绘画作品视作“无声的乐章”。韵律性的第二个体现，正是体现在画作中的空白部分。通过布白的手法，模糊了空间中虚实的界限。比如在南宋时期的著名画家马远，他在《寒江独钓图》这幅作品中画面中大片的布白，表现出了水天一色的情景，则增加了一丝静谧的意象。无笔墨处即空白之处，则恰恰是留人们揣摩回味的地方。一副作品的空白部位处理的是否得当，也关乎整幅作品本身的气韵。就如同一首歌的副歌部分，尽管它只是整体的一个部分，但它十分重要、不可或缺，只有当与整体组合发生碰撞时，才能使一首歌的旋律中引人入胜的部分，最大化的表现出来。

二、康定斯基与绘画创作的“音乐性”

在西方，音乐被叔本华认为是“意志自身的写照”。抽象绘画的理论代表康定斯基在《艺术中的精神》一书中，从艺术的整体层面探讨了音乐与绘画之间的关系，有关音乐性与绘画创作之间的参照可以大致分为三个层面：

　　第一个层面，为精神层面的影响，这是相对复杂而抽象的一个层面。它不仅涵盖了人感官上的关联与通感，还用来描述画面中的起伏、跌宕与张力。比如具象化的、描绘现实的艺术形式就偏向于物质层面。而精神化的艺术，则需要通过心灵的激荡，内心所产生共鸣来实现。有人担心抽象绘画这种艺术形式，要如何被一个“看不懂”的人所接受。康定斯基认为，我们应该是通过画作的形式去感受画作的音乐性、韵律性与精神性。

　　第二个层面就是线条。艺术家如果要表现内容，就是将点、线、面在他的脑海中加以融合。点被认为是绘画中的基本元素，是最小形式存在的绘画元素，与其直接相关的是线。一种带有音乐性的线条，应该是线与线的组合，就像乐器所创造出的节奏一样。画面效果可以类比音乐，而音乐也可以类比绘画。线条的不同组合使画面的造型变得跳跃而带有运动感。绘画中色彩的点、线、面之间的交错，如同“色彩的大合唱”。在一副绘画作品中，线的长短、粗细、曲直有所不同，所塑造而出的作品形象也会大不相同。作者丰富的情感赋予了线条灵动的生命力，从而使绘画作品具有丰富的韵律感。在音乐创作中，韵律线便是创作的基本元素，与绘画相比二者在形式上略有不同，本质上却存在一定的共通性。

　　第三个层面是色彩带来的音乐性体验。色彩是对于人们感官欣赏与愉悦的另一个挑逗元素。欣赏一方面是针对线条所塑造的形体而言，另一方面就是在向人们传递某种情绪的色彩。对于色彩的感知也是建立在内心的和谐基础之上的。它们之间只存在微妙的起伏。观者的精神向着鲜艳的色彩之处颠覆和扭转。色彩就像是拨片，可以轻快的拨动人们心灵中的琴弦。总而言之，画面中的精神、线条、色彩就像是节拍和旋律，随着造型的曲直、色彩的强弱、线条的流畅，犹如一曲跌宕起伏的交响乐，可以表达出微妙的情感和震撼人心的效果。