摘要:作曲的技巧,有很多人都在谈,很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然,按照下行5度和弦圈的经典走位,旋律怎么写都不是很难听,但学一些另外的作曲技巧,也许会有另外一番天地。
关键词:作曲;创作;技巧
中图分类号:J614 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2018)20-0067-01
没有思想就没有创作,生活阅历是创作的资本,日常生活的不同体验和积累同样也可以起到专门采风的作用。自己眼界中经常观察到什么、头脑中经常思考什么与创作相关的事物,种种意识的感悟也可以达到对事物深入认识的目的,进而才会形成个性化的音乐创作观念。一个优秀的作曲家是要全方位了解音乐的,了解各国各民族地区的音乐,积累各类素材是必不可少的。只要你听多了,思路扩充了,写出来的东西就不会太狭隘。当今作曲分为先有词后有曲或者先有曲后有词两种形式,这里我们只谈第二种情况,即先曲后词的创作技巧。
一、倒影
如:3334533321在五线谱中,以3横线,就会发现,345往下翻180度的话,其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律,不会很散。
二、模进
模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如:3323 2212;自由模进则没有这个限制。如:11233345(1和2之间是全音,3和4之间是半音,音程不同)
三、重复
重复永远是音乐中不二法门,从段重复到小节重复,几乎每个作品中都可以看到它的影子(注意,重复也是同度模进)。
四、对格
艺术都是相通的。在文学中某些技巧,放到音乐里也完全适用。在一些诗诗中,第一句的最后一个字,是第二句的第一个字,修辞学称为顶真。音乐中,就是第一句最后一个音符,是第二句的第一个音符。然后依此类推。
五、变音
变音一般而言就是升降音符。会给人非常新鲜的感觉,也容易使情感更加饱满。一首歌,变音用得好不好,很大程度上看作曲者对旋律的把握程度好不好。一般说,表现明亮色彩的用大调,忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度,来表达忧伤或温柔。在小调中,多使用#4和#5,那是绝对不会错的,因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律,除了节奏上多用切分音符外,用b3和b7是不二法门,其实,这也是JAZZ的特有音阶。
六、调式
在古典音乐里,什么调抒发什么情感,是明亮的,是灰暗的,是雄壮的等等,都有严格要求,一般不会变化。
但在流行音乐里,就没有这种限制了,一般定调是根据歌手的音域来的。男歌手一般最高音定在G上(钢琴上叫小字二组G,吉他上是第一弦的第三品)。如果太高,降一度也够了。女歌手音域要比男的高八度,所以,一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。吉他是第二弦空弦)。太高的话也降一度。
七、段落
段落分一段体,两段体,三段体等。比较常见的是两段体和三段。段落可以分为对比和类似。简单地说,对比就是前面比较舒缓,后面比较高昂;前面比较紧凑,后面比较庸散。从文学上分析,如果你想用对比来创作的话,前面是叙事的话,后面一定要改成抒情。从音乐上来的话,前面如果旋律比较平,后面就大胆地多点起伏;前面节奏多用4分音符的话,后面就用8分或16分音符。从而起到对比的作用。在编曲上可以更明显地看到,一般副歌部分总是比较高潮。而前面总比较缓慢。但这不是绝对的,任何艺术创作都不是绝对的,你也可以安排整首歌都是一个样子,写得好的话,也是可以的。
八、乐句
乐句,顾名思义,就是句子。在文学中,有诗词歌赋,规定了字的格式和数量,在音乐里,名字就差了些,没有那么好听。幸好也没那么多的规定。一般有aaaa aaba aabc abcd等等比較常用。还有不规整的三句式的,如张宇的《用心良苦》就是三句式的。还有五句的,六句的,七句的,比较少。
九、曲词结合
切忌倒句。汉字有本身的发音,一二三四声,念的时候,大家都严格按照发声平上去入四声,本来也包含了音乐成分在里面。如果没有按照发声规律念,很容易就变成另外的意思了。而在音乐创作中,这是最忌讳的。
十、最高境界
鲁迅先生说过,文学的最高境界就是,添一字嫌太肥,减一字嫌太瘦,好的曲子也是一样。加任何一个音符进去,你都觉得不好,删除任何一个音符,你都觉得不对,到了那个时候,就是曲子最完美的时候。
试着把巴赫的复调加音符进去,你就会发现,你加在任何一小节,其他地方都要作很大的改动,而改好之后,又会发现,完了,这还能听吗?完全不对了。这就是这作曲者的伟大之处。
总之,无论何种艺术门类,除了要对自己的专业知识深刻研究掌握外,还要对其他门类的艺术要有所涉及。比如音乐,文学,绘画这些都是有一定关系的,理论上需要深厚的文学底蕴去理解,织体上需要拿出美术品味去勾勒,如果你只钻一科而不去关心其它的事物,那么你的思维就会受到阻碍局限,感知的事物也会缺少许多。
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