弗雷德里克·弗朗索瓦·肖邦是一位浪漫主义时期代表性的人物之一，他一生创作的大部分作品都是为钢琴而作，因此也具有“浪漫主义钢琴诗人”的称号。他创作的钢琴练习曲集将钢琴练习曲推向了时代的高峰，他的练习曲中不仅有高超的弹奏技法，更有着独特而丰富的情感，这是与其他练习曲中最大的不同。他的《C大调练习曲》为作品编号10中的开篇之作，有其独特的地位。早期，肖邦在游历时，吸取了百家之长，并用一种新的声音呈现出对巴洛克艺术的态度和理念的传承，作为波兰浪漫主义音乐家，他以自己独特的音乐智慧和语言，继承了巴洛克音乐的风格，创作了这首《C大调练习曲》。肖邦练习曲作为钢琴音乐史上的一座里程碑，对钢琴练习曲的发展起着重要的作用。本文试图以肖邦练习曲开篇作品Op.10第1号为例，对肖邦练习曲的演奏技巧和美学意义进行研究。
1 演奏技巧
在作品的最开始部分，作者标记了legato（连奏），我们都知道，钢琴声一旦发出，就只能逐渐消失，无法维持，也无法增强。因此钢琴上的legato更多的是演奏者内心的legato。这要求我们在弹奏过程中要具有发自内心的情感。只有贴近作曲家的内心，体现作品的独特魅力，恰如其分地展现肖邦独特的诗意气质，才能演奏出更加完美的音乐[1]。该作品是一首带有再现性的单三部曲。快板，整部作品节奏非常均匀，结构整齐，左手低音旋律简洁稀疏，在整部作品中，作者并不是想表达山间缓缓流淌的潺潺流水或巨兽般的飓风发出的尖锐刺耳的声音，而是像瀑布、激流一样倾泻而下。通过右手部分音乐的跌宕起伏，节奏与速度的结合营造出一种紧张的音乐氛围，具有浪漫主义时期音乐风格的特点。同时音域宽广，拓宽了整部作品的旋律走向，艺术性强。左手八度低音声部，右手为和弦的分解琶音。演奏时要特别注意右手四个十六个节奏型中首个十六个音的重音处理，突出每个小节的首个重音。在突出重音时，还要求我们在演奏时要达到音色的统一。因为右手分解的琶音跨度较大，在琶音的上下起伏中，音符不应丢失或模糊。在琶音的下行中，小指起着巨大的作用。四个音符中的第一个相当于键盘上的一个支撑点或者整个和弦的定位点，所以小指在琶音下行中的重要性不言而喻[2]。肖邦曾经建议他的弟子，这首曲子应该在清晨以非常缓慢的节奏进行练习。右手的琶音要像小提琴的琴弓演奏出来的声音一样流畅饱满。在刚开始练习这类作品时，不应以炫技为重，把技巧放第一位，而是要静下心来，在缓慢练习的过程中寻找手指拉伸和触键感。应采取“慢速度、慢触键、快移动”，反复多做练习，直至大脑与手指达到协调。练习前还要仔细分析琶音中音与音的远近关系并选用适当指法[3]。因为每个手指的长度不一样且每个小节都有多多少少的黑键需要弹奏，这使得在演奏时非常容易将音符弹得不均匀。这个时候就可以采用跟节拍器慢练和变换节奏类型来进行练习，这个方法能十分有效地解决问题，并且在练习过程中增加趣味，不至于太过枯燥。在演奏该作品时，除了各个手指的触键发挥着作用，手腕腕部的带动更为重要。由于该作品音区跑动范围较大，右手处于五个八度音域之内，以两个小节为分隔，仿佛巨浪涌动一般作急速琶音上、下行动作，因此腕部的灵活使用和放松显得至关重要。腕部为活动关节，弹奏时要尽量放松，并根据琶音方向，恰当地调整腕部运动的角度与姿势，以手指推动腕部，腕部要力求平稳。腕部可稍微向内倾斜，以5指为带动的手指向外尽量伸展，弹奏黑键时手指触键点应该更接近内侧，为手指演奏黑键提供最大的便利条件，同时要保持手掌支撑住，手指贴键弹奏。灵活地运用腕部，主动地与手指、手臂相配合，可以使琶音演奏得更顺畅、更匀整，还能为长时间跑动节省力气，不至于弹奏开头部分就精疲力尽。这首《C大调练习曲》手指跨度非常大，也许对于手比较大的朋友来说自然很容易演奏，但对于手比较小的朋友来说演奏大琶音或许稍显费力。笔者本人手也较小，因此在练习过程中，我们需要克服生理上的缺陷，并抓住琶音技巧的把握和手腕精准平行运动，能使我们在练习过程中能事半功倍。练习时还可采取拆分音乐元素的做法来练，比如可把1指～5指的大跨度琶音分开来练，以增强手指对大跨度框架的熟悉程度，这种做法可先用断奏奏法练习，熟练之后再用连奏法，注意腕部放松，大跨度琶音不能伸得太长，不能显得太死板僵硬，同时做到以臀部为支撑点，上身肢体活动时还应带动臀部用力，避免肌肉不够放松而影响音乐效果。此上为该作品在演奏中需注意的问题以及练习技巧。
2 美学意义
从美学的角度看，肖邦的作品是“藏在花朵中的大炮”。它们既抒情又不屈，充满了深刻的意蕴，因而浪漫主义时期的肖邦又被誉为“钢琴诗人”。他的作品代表着19世纪的风格，具有十分显著独特的特点，又具有极强的辨析度，他的练习曲集包括Op.10与Op.25两集与同时期的作曲家李斯特的两部练习曲集相比，他在创作手法和和声的运用上都更大胆的进行了尝试，就如开头所说，肖邦深受巴赫的影响，因此他的这首《C大调练习曲》与巴赫十二平均律中的第一首前奏曲的结构相似统一。两位作曲家都是运用了圣咏中常见的音乐表达模式，由不同的和弦琶音分解来进行发展。因此，分解和弦式圣咏是最好的表达方式，巴赫在音乐上追求最单纯、最朴质以及最和谐的声音，分解和弦式将其自下而上依次弹出或自上而下依次弹出，每一个独立的分解和弦都是一个相对单纯的、纯正的，没有其他和弦杂音干扰的独立体，恰好能实现圣咏圣洁单纯的音乐风格，同时这也为肖邦在该作品中从头至尾使用分解和弦式旋律动机做下了一个铺垫，同时肖邦又以浪漫主义自由的方式重新进行组合和演绎，用创新的方式来向巴洛克音乐致敬，更能显现出肖邦的“诗人气质”。在观察该作品时，我们通常容易把这首作品的左右手分成两个单独的部分来看，认为右手是源源不断的分解琶音，左手则是不同和声的八度低音，然而并不是如此，左右手的音程为互相依靠的关系，只有依靠着低音的部分，右手的旋律才能得以流动，左右手共同创造出来的和声效果才是最具有歌唱性与特殊性的。肖邦在此作品中使用在宽音域上下波动的极短时长音符的组合，在每分钟175个极快的速度要求下的这种技巧，能更好地表现出作品的张力。同时，肖邦巧妙地选择了密集的节奏模式来描述宽广的旋律特征，通过节奏和速度的结合营造出紧张的音乐情绪，同时拓宽了整个旋律的音乐方向，将音乐如流水般地发泄出来，更好的表达出了他的诗意。因此，在练习技巧的同时，还必须把其中所包含的感情表现出来，生搬硬套的音乐和充满丰富多采感情的音乐为两种截然不同的感受。在现代钢琴学习的过程中，有些老师在教学过程中只注重技巧，而不注重情感的表达，这样演奏出来的作品必然是索然无味的，肖邦的这首作品极具歌唱性与旋律性，需要我们深刻体会当时的时代背景以及作曲家的创作心理。《C大调练习曲》除了歌唱性与旋律性之外，还有一个地方常常被演奏者们忽视，就是该作品右手分解和弦中出现的延留音解决与经过音，它往往出现在跑动音型最后一组的小指位置，与之前所说的，小指的运用十分重要，这个音会与之前同音型同位置的音不一样，这是作曲家故意为之创作的，这小小的变化使单纯的和弦跑动多了一些经过旋律的意味。肖邦在创作过程中很喜欢用的一种手法即是将七和弦降低五音，此创作手法能增强和声的色彩功能，肖邦在此作品的第一部分（1-16小节）中多次运用了留音与解决音，不仅丰富了乐曲的音响效果，还使得右手的线条感得以增强。第二部分（17-48小节）肖邦除了开始运用转变调式的手法发展，同时还增加了左手八度低音的级进进行。在这个部分开始，肖邦多次转变了调式，大小调式进行相互转变，大调给人一种阳光和积极的感觉，小调给人一种悲伤和哀伤的感觉，不同的情绪通过调式的转变显现出来。也是从这一部分开始，肖邦在谱面上开始标注了一些渐强，渐弱等音乐起伏的力度术语，为后面的和声与高潮部分的到来提供了更广阔的空间。在练习此部分时还可以采用将每一个乐句的琶音变换成和弦进行练习，这样的练习目的在于加强对右手和声色彩的熟悉度。第三部分（49-79小节）开始的第一个乐句为全曲开头部分的再现，情绪逐渐恢复平静，结束乐句是整首作品的结尾部分，仍有许多离调与变音和弦等，主功能和声巩固于后三小节。从整体上来看，本曲是一首具有较高音乐表现力的钢琴练习曲。它的成功之处主要体现在以下几个方面：音色明亮圆润丰满；音域宽广广阔，丰富多样，风格独特，个性鲜明，形式多样。全曲的旋律和和声，其中心是左手低音部分，当左手奏出八度低音后，音色应丰满厚重而专注，这就需要手掌的支撑和松弛，把手臂自然力量转移到指尖上，并且八度连贯起来，还应强调低音旋律的方向和搭配恰当的指法、根据乐句之间的关系处理好换气，和右手琶音互相呼应、连接成一个整体。
肖邦的练习曲大都具有爱国性，旋律性，最显著的特点之一是旋律性。他的旋律来自于声乐而非器乐，可以说更多地继承了舒伯特。与贝多芬不同的是，肖邦用交响旋律来展开和发展，组织音乐结构。肖邦的旋律完全依靠自己的和声变化、音调变化、节奏变化和优美的装饰音来移动和发展。肖邦的练习曲除了用于钢琴演奏技巧之外，还体现了旋律、和声、节奏和情感。因此，肖邦练习曲无论是在演奏手法的发展上，还是在音乐表现手段的创新上，都堪称钢琴艺术史上具有里程碑意义的“革命”。这也是他在美学中具有特殊含义的原因之一。
3 结语
肖邦作为一位作曲家和钢琴家对古典音乐的发展作出过重大贡献，其练习曲承袭巴洛克时期优点并在其基础上表现出独特创新，事隔数年后其练习曲仍富有艺术价值和探索价值，甚至成为每一位琴童学琴生涯中必备的练习曲之一。文章从演奏技术、音乐处理，美学意义等角度较详细地分析了肖邦练习曲Op.10No.1的演奏技巧，对学习其他练习曲方法及音乐演奏处理具有启发意义。肖邦练习曲中不仅包含着具体的技术训练意义、教学目的明确、同时还包含了深厚的音乐内涵，艺术价值较高，每一首都值得我们去进一步地分析和学习。肖邦的练习曲不能用车尓尼和克莱门蒂传统的纯技术性练习曲训练方法来练习，只有在教学中不断提高各方面的艺术修养，以各种音乐元素为出发点，探索作品中的音乐内容，合理积累、合理解读和分析各种高难度技巧，找到符合作品音乐内容的技术练习方法和演奏方法，创造性地、内涵式地诠释作品，才能达到理想的练习曲效果。
通过对此作品的分析，我们在练习这样一首技巧性与艺术性融为一体的作品时，不仅要对作曲家的时代背景与作品创作背景了解外，还应多思考该作品有哪些技术难点，需要着重挑出来进行练习，并分析作品的创作手法，和声调式的发展变化。在背诵乐谱时，演奏者弹奏过程中在另一个时空与作曲家进行交流和对话，同时包括观看和学习不同大师的同一作品的表演视频，也会使我们受益匪浅。通过参考他们的细节，可以形成自己的表演风格，提高对作品的理解。从而进一步的将作品进行深度的剖析与理解，来提高自己的演奏水平与细节处理能力。■
引用
[1] 刘婵.浅析肖邦练习曲Op.10.No.1《圣咏》[J].音乐时空,2014(20):117.
[2] 金茗.谈肖邦《练习曲》(Op.10 No.1)的部分演奏技巧[J].乐府新声(沈阳音乐学院学报),2005(2):54-56.
[3] 李月.浅谈肖邦练习曲Op.10,No.1音程关系的奥妙[J].西部皮革,2016(16):281.
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