摘 要：摄影以及绘画虽然同属于艺术专业但是不属于同类目，从摄影之时起，摄影的发展一直影响着绘画的变化，可以说摄影史在某种程度上是一部绘画史，绘画的一半成就也得益于摄影的帮助。因此，本文从摄影对油画创作的影响从三个章节论述：第一章通过摄影重要发展来划分时间，从绘画史和摄影史两个历史范畴的材料分析摄影促进绘画变革的原因及成就。第二章分析在油画创作观念中摄影的影响，主要从油画体系、视觉语言两个方面进行分析。第三章是本文的总结部分，论述油画艺术创作中画家如何适度的把握和应用摄影。
关键词：摄影；图像；油画
中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）24-0022-03
一、引言
绘画和摄影不是以立体视觉的形式呈现给观众，而是以平面视觉的形式呈现给观众，同时它们都是以重现物体的形象为主要功能。从摄影起源之后，摄影和绘画就相互渗透影响、紧密联系着。从绘画历史上可以看出摄影对于绘画的发展和变革的帮助非常大，绘画家通过吸收摄影中的特效和技术，从而扩大了绘画风格和形式，一次又一次展现了绘画经久不衰的艺术魅力。在如今社会，绘画的艺术形式又被刚出现的数码相机打破。数码技术渐渐的出现，图像和绘画艺术也完美地结合在了一起，数码相机不仅可以供给艺术家轻松地拍摄素材，同时还可以通过电脑制作出随意喜欢的效果。当代创作的油画作品风格不一，主要是由于吸收了电子、科技以及其他艺术形式。
二、摄影在早期油画艺术中的应用
（一）15 世纪“暗箱”在古典绘画中的应用
小孔成像是摄影的基本原理，小孔成像就是把一个带有小孔的板子放在物体和屏幕中间，物体的倒像就会显示在屏幕上。前后移动中间的板子，倒像的大小就会随着板子的移动而发生改变。“暗箱”就是这种小孔成像在暗箱里面操作的。
1.发现透视法。15 世纪古典画家们为了能够精确的刻画出图像，把小孔成像、暗箱等技术都应用在了绘画中，摄影在古典油画中的最早体现就是画家利用小孔成像原理放大后画出来的，我们在它的轮廓线上可以看到有针孔，这就是艺术和科技的结合。
2.扩大空间。有一位写实主义者，同时又是一位风俗的画家，擅长人物画与风景画，他就是维米尔，他经典的代表作品是《倒牛奶的女人》，画中篮筐里的面包有一个模糊光晕，英国学者Philip Steadman经过30年的研究，写出了《维米尔的暗箱》，这本书写出维米尔为其风景图案再现是利用了“暗箱”的原理，他在暗箱上使用了凸透镜，使狭小的室内空间呈现出全景式构图，刻画逼真的效果，维米尔利用暗箱里的凸透镜放大原理，让小空间真正的放大，所以维米尔的风景画看上去像逼真的。
（二）19 世纪摄影技术对传统油画艺术的冲击
1.提供创作素材。“在照相摄影中，技术复制可以突出原来不能用肉眼看见但可以通过镜头拍摄，而且镜头可以选择拍摄角度；此外照相摄影还可以通过放大或慢摄等方法摄下那些肉眼未能看见的形象。这是其一，其二，技术复制能把原作的摹本带到原作本身无法到达的境地。”19世纪，越来越多的艺术家开始引用照片绘画作品，这在当时的绘画界已经不是秘密，人们开始改变对摄影的态度，不再把它作为绘画的竞争对手，摄影为绘画提供了丰富的创作素材。
2.摄影吸收绘画技法。《世纪的较量与轮回》中谈到早期摄影的状态：“摄影实在是太年轻了，根本无法与已有四五百年历史的油画相竞争，在绘画标准的压迫下都不知道该如何是好。不得不暂时采用大家所认可的艺术标准进行摄影创作。这也说明摄影家渴望摄影术获得合法性而不得不采取的策略；或从另一个角度来说，当摄影尚未建立自己的价值体系时，参考其它艺术图式对于自己发展是必不可少的程序。”因此早期的摄影美学标准基本上都是借鉴绘画的创作形式和方法。
（三）现代艺术在摄影技术的冲击下对油画艺术的颠覆
1.摄影和绘画相互影响。毕加索在1917年根据拍摄的雷诺阿肖像相片（图1）绘画的印象派大师雷诺阿肖像作品（图 2）。人物的动态表情与相片简直一模一样，不同的是毕加索绘画作品中只用了线条勾勒出雷诺阿大师的外轮廓线条，只强调了手和脸的结构。通过炯炯有神的眼睛可以看出毕加索尖锐的观察力，通过变形僵硬的双手可以看出雷诺阿毅力惊人。毕加索在摄影相片素材为基础，提炼和强化了艺术形象特征，体现了艺术的表现力。
2.图像和绘画界限模糊。二十世纪中旬，波普艺术开始蓬勃发展，波普艺术是工业革命、科学技术和资本主义商业发展的产物。波普艺术简称流行艺术，被誉为“时尚的、流行的”，代表着一种流行的社会文化，追求自我表现和解放。波普艺术是大众生活的一种表现，是现代生活、政治观念、消费观念等生活要素的集合。美国波普艺术是利用大量的废弃物、电影和商品海报拼贴，使没有意义的图像变成艺术作品。在波普艺术大师安迪·沃霍尔的作品中可以看到他擅长在绘画、印刷和摄影三者之间跨越使用，大胆使用照片的复制技法，把商品、玛丽莲？梦露、毛泽东等公众偶像的肖像变成艺术品。安迪·沃霍尔非常喜爱拍摄相片，当他喜欢上摄影的时候就意识到相机已经取代素描的位置，他几乎每天都要用掉一卷黑白胶卷，他用照相机拍摄剪刀、皮鞋、香水等记录四周其他事物和所有美好的東西，我们通过相片可以看到安迪·沃霍尔绘画作品的影子。
安迪·沃霍尔的作品充分的将摄影艺术融入到自己的绘画作品中，实现了高雅艺术与大众媒体的相结合，被称作将摄影艺术充分运用在现代艺术领域的第一人。“‘图像时代是西方后现代思潮的产物。虽然由于技术性问题的解决，使图像生成的条件更方便，‘深度消失、复制、类像、商业化、无内指性等文化索求，……一方面籍‘类象的大量无内指性的复制图像突破限制使新文化信息得以散播。于是‘图像时代在大众媒体和晚期资本主义的推动下，人们无法回避的图像时代到来。”电影海报、商品及人物图像充斥着生活的每一个场景，图像时代真的到来了。endprint
三、摄影对当下油画艺术创作观念的影响
（一）当代油画写实体系的立体构建
在油画史的发展中，写实体系可以说是最早确立的，这是西方绘画艺术的初衷。自杨凡·艾克兄弟的油画的发明，利用油画材料和工具的独特性，西方早期油画家可以用自己喜爱的颜色和色调自由地进行写实性油画创作。但是，有一个事实是无法忽视的，就是早期油画创作宗教性的泛滥所引起的对自然状态写生的缺乏。即使在艺术巨匠辈出的欧洲文艺复兴时代，以“美术三杰”达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔和威尼斯画派代表人物提香等为首的大批画家所留世的作品基本上是宗教绘画。这与当时社会政治与意识形态流有关，同时也奠定了早期油画写实体系的特征。今天看来，这种写实更多是画家自我写实语言体系的“自圆其说”，他们尽可能描绘更接近于心里的形象，竭力追求“返自然”的现实。如果用中国绘画的理论来描述，可以概括为“应物象形”，或者用“写形”来表达可能更为贴切。
受这种写实体系的影响，十七、十八世纪的巴洛克、洛可可和学院派绘画尽管更加关注社会和现实题材，但所创作的还是画家心目中的“形”，这种“形”与其说是现实之“形象”，倒不如说是画家理性的“心象”（写实的超自然）。十九世纪的西方绘画经历了变革中沉浮与共的艺术思潮，新古典主义、浪漫主义、现实主义绘画粉墨登场，直至印象派的产生，油画的写实体系受到了前所未有的冲击。二十世纪西方现代艺术可谓异彩纷呈，象征派、抽象派、野兽派、立体派等等流派林立，以“写形”为主的写实油画体系遭遇了“封杀”。
然而，发展到了二十世纪六十年代，当表现主义、极少主义绘画被抽象或简化到空无一物时，西方现代艺术流派再也“抽”不出什么新鲜的“象”和“立”不出什么特殊的“体”了，物极必反，油画开始回归具体物象和对细节的迷恋。于是，极端写实的“超级写实主义”派便应运而生。摄影是捕捉物像和细节的最好工具，它揭示了所有影像的面貌，包括最微妙的細节，诱使绘画投向了对细节的迷恋。这一派的画家根据照片作画，因为摄影照片轻而易举的解决了写实目标，对现实事物的复制能力远远超越了绘画，于是他们尽可能把画画和照片刻画的一样精细，因而又被称为“照相写实主义”，也可以说是绘画中的“摄影派”。
（二）当代油画视觉语言的解构与重构
分开解除结构就是所谓的解构，整合重组结构就是所谓的重构，就是把解构后每个局部的基本原始单位重新组合，构成一个全新的、不同于前的新物体结构。
当代油画在特定的文化背景下，绘画材料和技法在有限空间中难以得到提升，在此背景下画家们进行了各种新的感觉经验和视觉探索，创造全新视觉感受。比如，吸收当代观念摄影的创作理念，观念摄影表达观念思想，很多时候需要“摆拍”，与传统摄影要求的“客观”背道而驰。油画家的想象力迅速冲破了固有形态的禁锢，改变了以前单一的视语言效果，由单视点的视觉中心转变为多视点或散点透视的排列或叠加，从而形成多维或虚幻空间的立体重构。另外，数码技术让图像扩大成了可能，极具震撼力的大幅画面“闪亮登场”。新奇的、诡谲的、抽象的图像涌进了画框，于是极端的色彩出现在令人诧异的对比中，展现时代物象的群体化、特异化。形象的选择更加随机和随意，塑造时代的集体无意识，看似关联却表达不同，刘小东、张晓刚、方力钧笔下的人物已经不是英雄模范而是身边的普通人和他们自己。画面描述由视觉表现转入多元文化的表现，是当代油画精神的一种延伸，一种回响。于油画艺术的使命而言，追寻完美目标的道路永无止境。
四、油画艺术创作中画家主体对借鉴摄影尺度的把握
（一）油画创作中注重客体体验与反机械复制
绘画作为艺术总是与思想和观念有关，它不仅强调客观再现，画家对社会的现实和体验以及社会、人、思想等方面的认识在整个创作过程中都是一样的。油画家不是淡漠的，相反是热情的。油画艺术借鉴甚至模仿摄影，对先进摄影术的相异空间的理解和把握，更多是艺术观念的移植或延伸，与技术的“死板硬套”应该没有直接的联系。无论是画家还是摄影家，他们的艺术成就都应该是深入生活创作的结果，用意象和审美的眼光看待自身和这个世界，这个世界无处不投射了一种人格化的精神。
在油画创作中对摄影和模仿摄影应该采取什么样的态度，是当下油画艺术可持续发展所必须面对和正视的一个问题。现代生活的快节奏和现代人心态的变化使得画家们很少再依赖于对形象与素材的写生收集，而改为用相机、DV 机等进行，这使得许多必须依靠日积月累进行训练的东西如速写等，往往会被逐渐忽视甚至放弃。当摄影术被广泛传播，照相机成为工业化生产（作为普通商品被大量生产）后，一个机械复制的时代来临了。毫无疑问，当下油画家依据摄影进行创作为数众多，对新的资源是机械复制，还是在“嫁接”中出新？作品与作品之间的相互借鉴并不鲜见，但是仿真度完全一样就特别可怕了。
（二）摄影效果在油画创作中的合理应用
首先，在创作观念上，油画艺术家们应坚持写生训练的广度和深度，促成经历了生活、人生、社会的深刻体验和感悟后迸发的灵感与精湛油画技巧在画面上的巧妙结合。
其次，技术运用上。把影像技术和数码科技做为油画家在素描、速写之外的一种辅助手段，利用数码科技的方便特性，对物象的线条、色彩、形体、构图、肌理等创作要素进行重新组合，画家要保持高度的油画敏感性和饱满的感情，如果画面中只有技巧和冷漠的形象而没有感受和激情，那么艺术将成为技术的躯壳。
再次，在观察方法上。采用自由、开放的观察方式，视点的改变有利于画面形式的推陈出新。
最后，在创作过程中，画家作为创作主体应该有更强的主观性和主动性，不断注入自己的创作思想与个性情感，将需要的摄影内容安排到画面里去，不需要的摄影内容应摒弃于画幅之外。
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